觉一FONE

沃斯堡现代美术馆是日本建筑大师安藤忠雄的经典作品，建筑拥有简洁的几何形式，与自然环境相融，选用的材料种类极少。五座长长的平顶展馆仿佛漂浮在1.5英亩（约6070.2平方米）的水池上方，波光粼粼。 美术馆仅采用了混凝土、钢材、铝材、玻璃和花岗岩，周围的水池刚好能倒映出其优美的外形。葱翠的树林与小山丘包围着美术馆。建筑师通过其纯粹的设计，美术馆成了最令世人瞩目的现代艺术品之一。 周围环境优美一如美术馆中展示的艺术品，在巨大窗户的映衬下，艺术品与展览空间达到了水乳交融的境地。玻璃与水恰到好处地互相呼应，平静的池水倒映出空间，恰如玻璃反射着水面。 “将玻璃当作墙壁，就有了实际存在的屏障，它可以作为一种保护罩，与外部分隔开，但从视觉上却没有内外之别。还有从水面反射出的光线透过玻璃照到内部的墙上，表明建筑的边界似有还无。”悬臂式浇筑混凝土屋顶支撑着引入自然光线的线性天窗和通风窗。五个Y形柱子高达40英尺（约12.2米），支撑屋顶板，并且成了美术馆的象征。 

建筑简介：

基地位于德克萨斯州沃斯堡郊外城市公园的一角，毗邻路易斯·康设计的金贝尔美术馆。

设计以在严酷气候条件下创造一个沙漠绿洲为主题，首先从外部水池和绿化的园林设计开始着手。同时针对金贝尔美术馆井然有序的构成、以及具有柔和自然光线的展示空间，我们考虑用一种具有现代感的设计来继承它的空间性。

建筑由5栋平行排列的“箱体”为基本单位构成。“箱体”长短两边的比例与整个设计相呼应，全部采用混凝土和玻璃的双重表层构造。考虑到酷暑盛夏的强烈日照，各栋建筑全都设计了深深的挑檐。夹在玻璃和混凝土之间的狭窄空间，既是使放置展品的混凝土箱体的室内环境得以安定的过滤装置，同时也起到了缓和各展室独立性的作用。这是一个可供人们休憩的空间，人们可以从水池反射的柔和光线中，欣赏对岸的绿茵。由于建筑的双重膜构造和随处可见的天井设计，从而在单纯的构成中实现了复杂的空间序列。

对于展示空间主题之一的“光”，我们设计了两种自然采光系统，既有赋予箱体空间以特性的高侧光，也有透过聚四氟乙烯膜洒向室内的柔和屋顶采光。

在建筑设计和施工阶段，针对展品的收集，我们在和美术馆方面充分协商、互相理解的基础上，逐步推进展示空间的设计。对于美术馆这样一个追求艺术空间主题的设计来说，这是一个达到理想状态的项目。

设计理念：
我们还是来看看安藤忠雄在2001年秋季关于此次设计（竞赛）的自述吧：
 
在这个作品中，充分体现了我以混凝土和光为主题的设计风格。
 
沃斯堡是位于得克萨斯州达拉斯市以北50KM之外，人口为52万左右的工业城市。建筑用地是都市公园的一部分，而且是整个沃斯堡的文化中心，附近已经有了菲利浦·约翰逊的阿蒙·卡特美术馆。但是用地最大的特点就是旁边正是路易·康设计的金贝尔美术馆。

1972年完成的金贝尔美术馆在路易·康的一系列作品中占据着比较重要的地垃。也有人评价说，该建筑是路易·康最得意的作品。特别值得关注的是，这个建筑是继耶鲁大学美术馆建筑之后又一座古风主义倾向的优秀作品。更重要的是该设计中不但有古风要素，而且还蕴涵了现代的透明性。虽然路易·康固有的设计原则和风格贯穿着整个建筑，但从建筑物的不同角落依稀可见设计师对现代的种种思维。

整个建筑就是由一个一个空间构成的组合体，即使说它只有简单的细节也不为过。在整个建筑中演绎出韵律化秩序的空间单位就是宽7.3m、长30.5m的混凝土拱形屋顶。这些屋顶结构设计成南北方向3列，整体布局由东到西依次为6个、4个、6个形成整体。每个屋顶都设计有缝状的屋顶采光窗，阳光透过采光窗，沿着拱顶内侧照射到室内。拱形屋顶上到处设计有大小不同的“光庭”，这样的设计可以在内部形成空间分节和变化的韵律。
 
通过详细的剖面图我们可以发现，该建筑的空间是由极其简单的结构拼接在一起的。这样的建筑结构是路易·康的构思和他的协作伙伴——著名结构师奥古斯特·库门旦特完美结合的结晶。就因为有这两位大师的协同作业，才能实现现代建筑的超越性，这无疑是一个20世纪建筑的杰作。

如何处理新建美术馆和这座堪称世纪经典的金贝尔美术馆之间的关系？这个问题成为了这次设计竞赛中重要课题之一。在这片面积为44000平方米的用地上建造什么性质的建筑才能符合该课题呢？

竞赛以指名形式举行。首先将几十名的建筑师作为候选人提名，最后选出里卡多·列戈瑞达、卡洛斯·希明尼兹、理查德·戈拉克芒、戴维·舒维兹、矶崎新以及我共6人。从他们提出的设计方案上看，每个人对金贝尔美术馆的理解均不同。其中最有趣的是矶崎新先生提出的设计方案，矶崎新先生把金贝尔美术馆具有的严格几何性和秩序感的空间要素理解为肉眼看不见的通风方式和采光路线等自然要素，基于这种理解推导出建筑的形态。他设计的建筑具有非常强的理论性，而且洋溢着诗意，可谓是典型的矶崎新风格的建筑。
 
我在设计初也想通过与金贝尔美术馆和路易·康的对话寻找适合我设计的空间要素。如何去捕捉路易·康建筑中的“空间秩序”，这无疑是最重要的环节。简单空间单位的反复、各种独特材料的使用、充满整个封闭的空间内部的光，这些都是构成金贝尔美术馆明快感和单纯感的主要要素。将这些要素重新整理应用到新的美术馆中会如何呢？

利用20世纪代表性素材——玻璃和混凝土，给建筑赋予全新的魅力，这成了设计过程中最大的课题。经过多次尝试和研究，最终确定了玻璃和混凝土的双重表皮（原文为覆膜，现改为表皮）结构。我的这种玻璃和混凝土的组合构思可追溯到1992年。那时罗伊·鲍德温财团要在比利时布鲁塞尔市内湖中心的小岛上建造美术馆，虽然造访过3次现场，但由于种种恶劣条件该方案最终没有得到实现。虽然这次没有完成我的方案，但随后的1994年参加的设计竞赛中我提出了在原火力发电厂建筑表面套上玻璃箱的构思方案；虽然跟前几次竞赛一样遭到了落选，但我对这种双重表皮结构的实现愿望始终没有改变。这次沃斯堡市设计竞赛给了我真正实现愿望的机会，在更大规模的项目上明确了我的想法。被玻璃包围的混凝土更加突出了玻璃的透明性，相反玻璃表皮则抑制了混凝土的素材感。这样给周围环境带来了轻快柔和的印象。另外混凝土的稳定性质起到了在沃斯堡市恶劣的环境中保护艺术品的作用。混凝土箱结构保证了整个建筑的安全性，而设置在外侧的玻璃箱则减低了外界气候对展览室内部的影响，从而提高了对艺术品的安全性。
 

混凝土和玻璃双重表皮之间的空隙则成为既内又外的日本传统的檐下空间。在那里有水、植物以及充足的阳光，而且透过玻璃向外界传达出展览室的样子。连续排列的双重表皮长方体结构以及多种自然采光系统，在简单的整体结构中实现了多样的平面和空间形态。

安藤忠雄谈路易·康

安藤忠雄在他的《安藤忠雄连战连败》一书里如此谈到路易康“我可以说一直是以康为榜样学习的”“康的前半生，处于战争及不景气等诸多苦难之中。这段时间康的作品和我们所熟知的康的建筑不同，是结合了正统现代主义的流派，对所谓的国际主义风格的设计尝试。在大学里康学的是布扎（巴黎美术学院）体系的古典主义建筑，但大学毕业后，康又逐渐为现代主义流派所倾倒。”“这位建筑师事实上的处女作，就建在离康的根据地费城大约向北250公里的，位于纽黑文的名门——耶鲁大学校园内，保罗·鲁道夫设计的建筑艺术系大楼的正对面（注：耶鲁大学美术馆）。在通过混凝土的独立柱与空间构架的楼板而构成的骨架上，嵌入砖墙与玻璃幕墙。建筑是怎样造的？怎样将其构筑过程表现出来。在这里面，深深地印刻着康将建筑的构成要素还原，然后一边反思其每一部分的含义，一边按原理进行组织搭配的那种意志。正是这个对现代的‘秩序’的摸索，成为了已经做了20年现代派建筑家的康，在50岁后选择的新的道路，是向被现代主义否定的那段历史的回归。那是对超越了时代所培育出来的建筑的本质，将那普遍性的力量在控予以继承并发扬的回归。这偏离了当时的潮流，甚至从某个角度来说是一种倒退。但正是这充满了勇气的倒退，使康与同时的建筑家们划清了界线，做出了瑰丽的建筑作品。像萨尔克生物研究所以‘冲向天空的立面’的中庭为中心的结构，金贝尔美术馆的混凝土和光的透明的顺序，这些洋溢信心的空间，都是由此而导入的。”

寄语年轻建筑师
“那些我们都敬佩的建筑巨匠——勒·柯布西耶或者路易·康，他们的人生也不是从第一步起就正确的。在他们的年代，年轻建筑师的大胆尝试和全新的想法很难得到社会的认可，这种状况在21世纪也许也不会改变。大多数人面对这种苦难时就会退缩。
 
但勒·柯布西耶或者路易·康却不同，他们没有向苦难妥协。他们选择了挑战和奋斗，他们选择了通过奋斗向世间诉诸自己的思想，在他们人生中没有等待和妥协。那些非比寻常的勇气和敢于行动的人生原则就是他们成为建筑界巨匠的主要因素。

我也在继续着向建筑的挑战。建筑师是在严峻和困难中求生存的职业，我希望即将步入工作的学生们也要有这样的觉悟，把这种危机感始终隐藏在内心。如心所愿推进的事情几乎没有，每天都会有挑战，这也是建筑有趣的原因。抱着坚定的信念，并且把这种信念一直贯穿于你的人生——像这样依靠‘自己’去求生存的职业再也不会有了。”

建筑设计：安藤忠雄（Tadao Ando）
项目地点：美国，得克萨斯州，沃斯堡市

                  Fort Worth, Texas
完工时间：2002年
设计时间：1997.01-1999.09
施工时间：1999.09-2002.10
基地面积：45570.0m2
占地面积：9240.0m2
建筑面积：14280平方米

转       自：树状模式

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